Como el anterior informe, Symphony: Un Viaje Épico, ahora podemos disfrutar de este excelente análisis que lo realizó Exequiel, un amigo del Foro Argentino de Sarah, le requirió mucho tiempo y esfuerzo, y está hecho con mucha Pasión y Amor. Vamos amigos, sumérjanse en este misterio, vamos a compartir con él todos los sentimientos que describe en este gran viaje de Sarah.
Que lo Disfruten!
La Luna: el viaje al misterio
La temática general del CD se centra en la belleza surrealista, misteriosa, pálida y luminosa de la luna.
Se trata de un álbum conceptual “las canciones de la luna” y su influencia en los ciclos de las estaciones de la vida, es decir el amor y la muerte. Aborda un amplio repertorio de compositores, Beethoven ("Figlio Perduto"), Rachmaninov ("¿Qué Hermoso Es Este Lugar"), Haendel ("Sólo Contigo") a Ennio Morricone ("La Califa"), Dido Armstrong (" Aquí Conmigo "), e incluso Henry Mancini ("Moon River ").
El CD es totalmente atemporal, gracias a la variedad de compositores de distintas epocas, y también tiene un sabor universal, ya que Sarah interpretó las canciones en italiano, francés, español, ruso y en Inglés.
El tema unificador es la luna, pero es la voz sublime de Sarah, que une todos estos temas bajo la luna.
En la portada del CD, el “Ángel de la música” surge como una diosa etérea de la luna. Un collage de niebla de imágenes y sonidos que se asocian con la luna, el álbum es un viaje desde lo clásico hasta la música contemporánea, donde Sarah logra crear una atmósfera mística.
El diseño de la cubierta del álbum es casi tan importante como la música.
Sarah sale vestida con una túnica de color blanco puro, con una corona de cristales de hielo, ella es a la luna y al cielo lo que la Venus es al mar en la pintura de Botticelli - una diosa viviente.
Es realmente admirable el sentido de la imaginación y creatividad que abunda en cada una de las distintas producciones discográficas de Sarah.
Aunque Sarah canta canciones que son cantadas por muchas otras personas, su estilo y color único está profundamente penetrado en cada pieza. Además populariza y da vida a muchas canciones que no son tan populares o que fueron olvidadas o que no son conocidas por las generaciones actuales.
Lo que se obtiene con La Luna es un poco de fantasía que es etérea e inquietante, fría y apasionada, y todo tan excepcionalmente perfecto como su predecesor, Edén.
Las pistas se siguen entre sí, como una historia de múltiples estados de ánimo en donde nos lleva a vivir todos esos estados anímicos en una atmósfera especial…
Las piezas van desde clásicos a lo moderno, con toques de "sintetizador" pop electrónico (por ejemplo, más de seis minutos en "This Love", en el comienzo de “La Lune”, la segunda parte de Winter in July). Muchos criticaron este álbum como muy pop, pero si estamos hablando de viajes a la luna se supone que tiene un toque tecnológico, no les parece?
Pero en que se diferencia de "Edén"?
En "Edén" fue explorar el paraíso armónico, dulce y cálido. Aquí Sarah es una diosa de la luna, Casta Diva, que reserva su voz operística de gran alcance en "Figlio Perduto", "La Califfa", "Solo Con Te"
Me encantó todo ese ambiente de ensueño y que la mayoría de las canciones se refieren directa o indirectamente a la luna.
LA LUNE (LA LUNA - Francés)
La luz en la noche
con las estrellas y la luna
Y el sol apagado
cuando la luna está alta;
el sol está apagado.
["Es un pequeño paso para el hombre,
un salto gigantesco para la Humanidad"]
Bajo las nubes de la noche
Camino hacia el claro de nuevo
en un destello plateado,
veo a la luna.
Ella lleva los velos de la eternidad
Su halo abraza las estrellas, mi luna.
“La Lune” tiene que ser una de las canciones más hermosas que jamás he escuchado,... Dios!!!
La voz de Sara es demasiado hermosa, se te eriza la piel con tan solo escuchar la introducción del teclado.
Como siempre Sarah con el primer tema nos presenta la temática y la estética del CD, establece una especie conexión mística que fluye muy bien. Cabe destacar que son hermosas las letras y la pronunciación de la voz en francés. Su voz es inquietante.
El tema incorpora una genialidad, un extracto de Neil Armstrong, cuando aterrizó en la luna con la frase que marcará a la humanidad "Un pequeño paso para el hombre, pero un salto gigantesco para la humanidad."
WINTER IN JULY (INVIERNO EN JULIO)
Miras a tu alrededor, y te preguntas por qué
podemos vivir una vida que nunca satisface
Corazones solitarios, mentes atormentadas
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buscando una manera que nunca podremos encontrar
Muchos caminos están delante de nosotros
con decisiones que deben tomarse
Pero la vida es sólo uno de los juegos que jugamos
No hay manera especial
Haz lo mejor con lo que se te ha dado
todo llegará su a tiempo
¿Por qué no te aceptas como eres?
No dejes que la vida te pase de largo
como el invierno en julio
Los sueños futuros no pueden durar
cuando aún te encuentras viviendo en el pasado
sigue tratando de alcanzar algo superior
buscando hacia donde tus pensamiento no han llegado
No podemos saber la razón por la
que nacemos en este mundo
donde un hombre sólo vive para morir
y su historia queda sin contarse
Haz lo mejor con lo que se te ha dado
todo llegará su a tiempo
¿Por qué no te aceptas como eres?
No dejes que la vida te pase de largo
como el invierno en julio
Y puede que no sepamos la razón por que
nacemos en este mundo
donde un hombre sólo vive para morir
su historia queda sin ser contada
Haz lo mejor con lo que se te ha dado
todo llegará su a tiempo
¿Por qué no te aceptas como eres?
No dejes que la vida te pase de largo
como el invierno en julio
Invierno en julio: es muy interesante, las letras son realmente sinceras y reflejan sus sentimientos acerca de la vida.
Hace pensar, las voces y la letra es inquietante: Estamos todos "en busca de una manera que nunca podemos encontrar"; porque todos estamos buscando ese "modo especial" para vivir y cada uno hace lo que puede, es decir no hay una manera especial.
También contiene un mensaje positivo, “has lo mejor con lo que te han dado” “sigue tratando de alcanzar algo superior” “no dejes que la vida se te pase de largo, como el invierno el julio”
Una Curiosidad! En la ultima parte de la canción en el ritmo tecno, Sarah, en la Gira mundial grabada en dvd, realiza una danza sumamente sensual, demostrando que sigue siendo una excelente bailarina. Una gran pieza pop Inglés.
SCARBOROUGH FAIR (LA FERIA DE SCARBOROUGH)
¿Vas a la feria de Scarborough?
Perejil, salvia, romero y tomillo.
Saluda de mi parte a quien vive allí
El una vez fue un amor verdadero.
Dile que me haga una camisa de lino.
Perejil, salvia, romero y tomillo
Sin ninguna costura, ni trabajo de aguja
Entonces el será mi verdadero amor
Dile que me consiga un acre de tierra
Perejil, salvia, romero y tomillo
Entre el agua salada y la costa
Entonces el será mi verdadero amor
Dile que coseche con una hoz de cuero
Perejil, salvia, romero y tomillo
Y que lo recoja todo el manojo de brezos
Entonces el será mi verdadero amor
¿Vas a la feria de Scarborough?
Perejil, salvia, romero y tomillo
Saluda de mi parte a quien vive allí
El fue una vez mi verdadero amor.
Scarborough Fair" es una canción de luz y de ensueño. Es melódica y cautivadora al mismo tiempo. Se trata de una canción folk tradicional Inglés con un toque pop ligero. La interpretación de Sarah me provoca un viaje medieval, en donde canta con una voz hipnótica que evoca tanto la melancolía como la esperanza.
(NOTA: la canción original es cantada desde el punto de vista masculino, Sarah la canta desde el punto de vista femenino).
Scarborough Fair es una canción tradicional inglesa de autor desconocido que data de la Edad Media. En esta época, el pueblo de Scarborough, situado en la costa del Mar del Norte, en el condado de Yorkshire, se convirtió en un puerto muy importante para comerciantes de toda Inglaterra, que acudían a la feria de Scarborough, un enorme evento comercial de 45 días de mercado, que comenzaba el 15 de Agosto, y que era excepcionalmente largo para una feria en aquella época.
La canción trata de una joven que ha sido abandonada por su novio. El texto invita que fuera a la feria de Scarborough, a pedirle a su antiguo amado, que si quiere que él vuelva a creer en su amor haga cosas del todo imposibles como hacer una camisa de lino sin costuras, conseguir un terreno entre la playa y el agua.
En el texto, las hierbas “perejil, salvia, romero y tomillo” se repiten de forma constante en el segundo verso de cada estrofa, y constituyen un motivo clave en la canción, ya que se trata de ensalzar los símbolos de virtudes: la salvia simboliza la salud y longevidad, el romero representa la lealtad, fortaleza y amor, así como el tomillo significa valentía y coraje.
Otra posible explicación dada a por qué se repiten estas plantas a lo largo de la canción, es que estas, se creía, podían formar una pócima de amor que era muy popular durante la Edad Media.
FIGLIO PERDUTO (HIJO PERDIDO)
Muros de viento…
la noche asecha
Padre e hijo juntos están
Van cabalgando
hacia delante…
En la inmensa oscuridad
Pero de pronto…
El pequeño niño
Tiembla miedo
y el frió aterra
Padre… ¡Oh padre!…
¿No lo has visto?
¡Era el rey de los Duendes!
¡Mira… Allí está!
Hijo perdido
Ven a jugar un rato.
Alegría te traigo…
Ven Conmigo
Padre… ¡Oh padre!…
¿No lo has escuchado?
¡Todo lo que me dice…!
¿Y lo qué me hará?
(Hijo perdido…
si tu no vienes…
yo usare la fuerza que tengo)
(Padre… Oh padre!…
El rey de los duendes…
¡Me esta tocando!
¡el me lastima!
(Y el pequeño niño
Cierra sus ojos
ya no se mueve
perdido esta)
Hijo…
Hijo perdido…
Si tú no vienes…
¡yo usare toda mi fuerza!
Padre... ¡Oh padre!…
¡El rey de los duendes…!
¡me esta tocando!
¡el me lastima!
La musica de Figlio Perduto es un clásico de Beethoven; y la letra es de Chiara Ferrau. En esta cancion Sarah hace excelentes cambios de tonalidades, emplea a un coro oscuro acompañando a su coloratura que es ya de por si, magnífica.
Figlio Perduto es un poema alemán Erlkönig (Rey de los Elfos), escrito por Johann Goethe. Es una pieza muy inquietante, y el poder de la voz de Sarah se basa en un impresionante clímax final.
Básicamente, la canción cuenta la historia de un padre tratando de salvar a su hijo de las garras del rey de los elfos -es decir- la muerte.
Esta canción, definitivamente es un homenaje al folklore escandinavo, muchos de los cuales se parecían más a las historias de terror que a los cuentos de hadas de hoy en día. Esta canción es un guiño a los "antiguos" cuentos de hadas y es considerado como una hermosa canción.
La canción llega a su punto más alto emocional en el momento que el coro canta "Y así fue que después ..." en un desgarrador lamento.
Para conocer un poco:
En 1782, Johann Wolfgang Goethe compuso su poema “Der Erlkönig” (traducido comúnmente como “El rey de los elfos”). En él nos narra la historia de un padre que cruza a caballo el bosque en una noche tormentosa llevando en los brazos a su hijo moribundo, mientras éste dice ver al rey de los elfos que pretende llevarle consigo. Cuando el padre llega a casa, el niño ha muerto.
La figura del rey de los elfos parece que procede de la tradición germánica y danesa. Se trata de un ser sobrenatural que cuentan que se aparece a aquellos que van a morir y si les toca les causa la muerte.
En 1815, Franz Schubert tomó el poema de Goethe y compuso el “lied Der Erlkönig”, aunque no sería estrenado en público hasta 1821. En esta pieza para voz y piano, Schubert logra reflejar con inusitada maestría cada uno de los personajes que aparecen en el poema, confiriendo a cada uno de ellos unas características musicales propias, lo que dificulta la interpretación del solista vocal que debe hacer gala de una expresividad y ductilidad muy importantes, ya que tiene que reflejar, al mismo tiempo, el miedo creciente del hijo, la sugestiva persuasión del rey de los elfos, y la inquieta contención del padre.
El narrador comienza y termina con tono dramático; el padre requiere una voz más grave de tono tranquilizador; el rey de los elfos, mediante pianísimos y tonos suaves, debe mostrarse sugerente para intentar convencer al niño que vaya con él; y el hijo, según avanza la canción, aumenta la intensidad de su voz al tiempo que lo hace su miedo.
En cuanto al acompañamiento musical, el piano representa el galope del caballo con las veloces notas repetidas en la zona grave, mientras la lluvia y el viento son descritas con las notas ascendentes y descendentes dando sensación de continuo movimiento. En la última estrofa, cuando el padre acelera el galope, aumenta la velocidad de las notas del piano, que se detienen en seco al llegar a la casa y descubrir que el niño ha muerto.
Beethoven la dedicó a Reichsgraf Moritz von Fries. Fue compuesta entre 1811-1812 y las Partituras manuscritas se conserva en el Jagiellonska Biblioteka, en Cracovia.
En el verano de 1811, cuando la sordera de Beethoven era irreversible, se sentía muy triste y deprimido, y para estar mejor se fue a una hermosa ciudad llamada Teplitz. Durante el viaje, conocio una de las celebridades que más admiraba: (1749-1832 el escritor alemán Johann Wolfgang von Goethe). Ambos quedaron impresionados, Goethe dijo de Beethoven "Nunca he conocido a un artista con esa concentración y esa intensidad espiritual. Puedo entender muy bien lo duro que debe encontrar adaptarse al mundo y sus costumbres."
El estreno de la Sinfonía N°7 tuvo lugar en 1813 para beneficiar a los ejércitos de Austria heridos en la batalla de Hanau, en las guerras napoleónicas.
La letrista de Sarah, Chiara Ferraù, tuvo una idea muy acertada adaptar poemas de Goethe, a las composiciones de Beethoven
A WHITER SHADE OF PALE (CON SU BLANCA PALIDEZ)
Bailemos un ligero Fandango
y dando vueltas sobre la pista
me sentía un poco mareado
pero la multitud pidió mas
La habitación vibraba mas fuerte
mientras que el techo desaparecía
cuando pedimos otro trago.
Pero el camarero trajo una bandeja
Y así fue que después,
mientras el molinero contaba su cuento
el rostro de ella, al principio fantasmal
cambio a una blanca palidez.
Ella dijo: "No hay ninguna razón...
y la verdad es difícil de ver"
pero me puse a mirar mis cartas de juego
y no la dejaba en paz
como a una de las dieciséis vírgenes Vestales
Quienes se marchan rumbo a la costa
y aunque mis ojos estaban abiertos
igual hubiera sido que si los tuviese cerrados
Y así fue que después,
mientras el “molinero” contaba su cuento
el rostro de ella, al principio fantasmal
cambio a una blanca palidez.
Es una canción orinal del grupo ingles “Procol Harum” que fue un éxito en la década de los 60.
La letra es de un poema de Keith Reid (integrante de la banda) y es una colección de frases abstractas sobre las relaciones chico/a, utilizando metáforas al estilo marinero.
Reid tuvo la idea para el título cuando escuchó a alguien describiendo que en una fiesta una muchacha “cambio a una blanca palidez” (es extraño como a partir de hechos tan comunes en la vida y con algo de ingenio se pueden lograr tantas cosas increíbles, como esta canción).
Aunque la letra no tenía coherencia, aquello no era importante. No tienes por qué saber su significado siempre y cuando puedas impregnarte de la ‘atmósfera’ y el sentimiento.
‘A Whiter Shade of Pale’ es una canción que habla de la relación entre dos personas que habían quedado al final en un ‘empate’, en el juego de conquistada-conquistador, al terminar la fiesta. Una chica pasada de copas pero “cuerda” y el chico tratándola de conquistar.
La canción en si misma se trata de un recuerdo, el autor trata de dibujar una línea entre la descripción y la narrativa del estado de ánimo de las películas francesas y ‘A Whiter Shade of Pale.’
Llama la atención dos frases:
1- Vestal Virgins’ (Vírgenes Vestales) eran las vírgenes sagradas, sacerdotisas de Vesta, la diosa de la salud y el hogar. Ellas eran seis y las elegían por sorteo (entre las edades de 6 a 10 años) y estaban sujetas a un juramento de celibato. Una de sus mayores responsabilidades era mantener encendido el fuego sagrado del templo de Vesta, situado en el Foro Romano. Esta labor les gratificaba con grandes honores y ofrecía enormes privilegios a las mujeres que sirvieron en ese papel. Las Vírgenes Vestales vivían en el Atrium Vestae, cerca del Templo circular de Vesta, en el extremo oriental del Foro Romano. Estaban tocadas con un velo en la cabeza y portaban una lámpara, naturalmente encendida, entre las manos. Me figuro que la canción trata de describir que era no era una chica “facil” de conquistar y que el chico le costaba llegar a ella.
2- En la letra, donde dice ‘As the miller told his tale’ (Mientras el molinero contaba su cuento), puede ser una referencia a “El Cuento del Molinero” de la novela inglesa “Cuentos de Canterbury.” Esta historia es bien conocida por los estudiantes ingleses o de literatura inglesa por ser un cuento algo vulgar y subido de tono que es contado por el molinero.
Dado esto, entonces las líneas:
And so it was that later / Y sucede que más tarde
As the miller told his tale / Mientras el molinero contaba su cuento
That her face at first just ghostly/ que su rostro (de ella) al principio fantasmal,
Turned a whiter shade of pale/ cambió a un tono más allá del pálido
Es un intento por parte del joven, quien acaba de causar palidez en la muchacha al contarle alguna historia vulgar, de explicar los síntomas de disgusto de la joven con excusas de otra naturaleza, tales como el bailar, y los tragos.
HE DOESN´T SEE ME (EL NO ME VE)
Cuando el pasa cerca mio
es un rayo de luz
como la primera gota de sol
en el cielo
y yo se que es un rey
quien merece a una reina
pero yo no soy una reina
y el no me ve
Cuando el baila
me hace sonreír
y veo que todo a su alrededor brilla
tiene tal gracia en sus formas
que no puedo contener
yo no tengo esa gracia
Oh! yo no tengo esa gracia
Y al estar cerca de el
no lo puedo evitar ni ocultar
tan avergonzada
de mi cuerpo y mi voz
Hay cosas que podemos cambiar
si solamente decidimos luchar
pero las paredes de la injusticia
son altas que no la podemos cruzar
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Ella tiene un aura que la rodea
tan delicada
con una gloria que reina en su vida
ella también es tantas cosas que no puedo ser
estas cosas que no puedo ver
porque el no me ve.
Y el no me ve
Hay cosas que podemos cambiar
si solamente decidimos luchar
pero las paredes de la injusticia son altas
Cuando el pasa cerca mío
es un rayo de luz
como la primera gota de sol en el cielo
y yo se que es un rey
quien merece a una reina
pero yo no soy su reina
Alguien tan distinto a mi
tan diferente a mi
el no me ve
el no me ve
el no me ve
“Injusticia” es la palabra que me llamo la atención de este hermoso tema, que es original de Jean-Jacques Goldman y la canción se titula “Elle ne me voit pas”.
La canción original esta enfocada desde el punto de vista masculino, pero Sarah la canta desde el punto de vista femenino por lo tanto en la canción se repite "el no me ve", aunque el titulo original diga "ella no me ve" (en la edición Europea de La Luna, Sarah canta esta canción tal cual su letra original "Ella no me ve").
El tema básicamente habla de una mujer que ama a un hombre a escondidas, ella piensa en el y en sus virtudes y se “mira” a si misma, y ve que nunca podrá ponerse a su altura y sufre por ello.
También ella ve a la mujer que anda con el y es inevitable la comparación.
"LAS PAREDES DE LA INJUSTICIA SON ALTAS"- frase que me emocionó-, por más que luchemos, nunca podremos cambiar ni parecernos a otra persona, pero para que la otra persona pueda aceptarnos, primero debemos aceptarnos a nosotros mismos lo mas importante es nuestro interior, pero es inevitable mirar a nuestro costado.
La canción es absolutamente hermosa sobre todo por las letras en movimiento “doloroso”. La voz de Sarah hace que el tema sea mas exquisito.
HOW FAIR THIS PLACE (Que Hermoso que es este lugar)
Es hermoso aquí...
Mira, en la distancia
El río destella como el fuego,
Los prados se extienden como una alfombra de colores
Las nubes blancas están creciendo.
No hay gente aquí ...
Sólo hay silencio aquí ...
Sólo Dios y yo estamos aquí.
Flores, y un viejo pino,
Y tú, mi ensueño!
Es un tema muy relajante y lleno de paz, pero demasiado corto.
Es una canción Rusa, por lo que es un poco difícil de entender realmente su significado, pero puedo explicar lo que despierta en mi, yo me imagino estar en un prado iluminado por la luna, en un paradisíaco lugar, solo contemplado las estrellas y el hermoso astro. Interpreto que la canción hace referencia a un momento dulce, la esperada claridad tras la oscuridad tremenda de la depresión, la vuelta a la creación, y por fin el amor.
Es muy bonito escuchar a un artista que pone mucho esfuerzo en aprender el acento ruso de la canción y eso la hace mas especial, además la voz de Sarah enriquece aún más la canción -que ya de por sí es una joya- y traduce como ninguna otra esa sensación de bienestar, relatando las cosas hermosas de la creación.
He comparado la versión de Sarah con otras realizadas por otras sopranos, e independientemente de la orquesta, creo que esta podría ser la interpretación que Rachmaninov desearía que sea cantada esta canción, con el alma.
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Rachmaninov es un gran compositor que escribió muchas canciones, este es probablemente su obra más perfecta. Está escrito para piano, sin orquesta. Es mejor con piano, la parte del piano es tan exquisita, se las recomiendo escucharla.
Este gran compositor alguna vez dijo, “Sólo escribo lo que siento”. Y su sentir es tan apasionadamente romántico que le acarreó no pocas críticas de los músicos más vanguardistas. Pianista virtuoso y excelente director.
HIJO DE LA LUNA
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Tonto el que no entienda
cuenta una leyenda
que una hembra gitana
conjuró a la luna hasta el amanecer
llorando pedía
al llegar el día
desposar un calé
Tendrás a tu hombre piel morena
desde el cielo habló la luna llena
pero a cambio quiero
el hijo primero
que le engendres a él
Que quien su hijo inmola
para no estar sola
poco le iba a querer
Luna quieres ser madre
y no encuentras querer
Que te haga mujer.
Dime, luna de plata,
Qué pretendes hacer
Con un niño de piel.
A-ha-ha, a-ha-ha,
Hijo de la luna.
De padre canela
nació un niño
blanco como el lomo
de un armiño,
con los ojos grises
en vez de aceituna
Niño albino de luna.
¡maldita su estampa!
este hijo es de un payo
y yo no me lo callo.
Gitano al creerse deshonrado,
se fue a su mujer,
cuchillo en mano.
¿de quien es el hijo?
me has engañao fijo.
y de muerte la hirió.
luego se hizo al monte
con el niño en brazos
y allí le abandono.
Luna quieres ser madre
y no encuentras querer
Que te haga mujer.
Dime, luna de plata,
Qué pretendes hacer
Con un niño de piel.
A-ha-ha, a-ha-ha,
Hijo de la luna.
Y en las noches
que haya luna llena
será porque el niño
esté de buenas.
Y si el niño llora
menguará la luna
para hacerle una cuna.
y si el niño llora
menguará la luna
para hacerle una cuna.
Me encanta esta canción misteriosa y etérea, sobre el precio final que una mujer gitana paga a La Luna a cambio de no estar sola.
Se han dado muchas interpretaciones al respecto de esta canción, según el mensaje de la letra: Habla de un supuesto engaño . La canción refleja también una costumbre y tradición dentro del folklore popular del pueblo gitano, como es la adoración y veneración mística a la Luna, dentro de un ritual cosmovisionista. Si bien la canción refleja el amor, el desamor, los maloentendidos, el clasismo y el racismo.
Se han dado muchas interpretaciones al respecto de ésta canción. Cuenta una historia tragica de un supuesto engaño gitano, y de un niño no deseado por sus padres légitimos, quien queda huérfano de madre y abandonado por su padre y que al final queda adoptado bajo custodia de la Luna. En la canción refleja también la costumbre y tradición dentro del folklore popular del pueblo gitano, como ser la adoración y veneración mística a la Luna, dentro de un ritual cosmovisionista.
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La canción, relata la historia trágica de una mujer gitana, quien tenía deseos de contraer matrimonio con un gitano de étnia calé o caló a quien lo amaba mucho. Pero las leyes restringidas de cada pueblo gitano lo prohíbe, al principio el matrimonio no se da por pertecer a tribus diferentes. Entonces según la creencia popular de los gitanos, la mujer gitana conjura a la luna mediante rituales y oraciones entre llanto y lagrimas, la luna desde el cielo empieza hablar y le propone un trato de entregar a su hijo a cambio de que podrá casarse con la persona que ella deseaba. El matrimonio se da, pero el trato entre la mujer y la luna no se cumple. El deseo de la Luna de querer ser madre era tener un hijo, eso fue la causa del trato de elegir a la gitana quien la había invocado, porque la Luna ya sabia el destino trágico de la mujer de lo que iba a ocurrir y su propuesta de entregar a su hijo era de protegerla. La gitana dio a luz a su primogénito y con poco consentimiento, nació con un defecto congénito del albinismo.
Razón por la cual era blanco y de ojos grises y debido a la carencia de melanina causada por la condición genética, el padre del niño y esposo de la gitana no cree que es su hijo legitimo y pensó que su esposa cometió adulterio, solo por el hecho de haber nacido blanco y no de tes morena como lo era él. Ahí empieza la tragedia de la madre del niño, muere asesinada por su marido quien lo apuñaló con cuchillo y luego se deshace del niño llevandole a la cima de un monte, donde allí lo abandono sin sentimiento. “Gitano al creerse deshonrado, se fue a su mujer cuchillo en mano, de quien es el hijo me has engañao fijo y de muerte la hirió”, se refleja el arte de combate del Sitra achra o esgrima gitana donde el hombre mata a su mujer por ocultar el secreto de su hijo.
La luna al ver abandonado al niño, lo recoge y lo lleva con su rayo de luz al cielo, donde el niño encuentra la verdadera felicidad de su madre adoptiva.
Según la canción, también sería que la mujer gitana es la elegida por la Luna, para dar a luz su primer hijo aunque no legitimo, debido a lo que la luna ya sabía lo que iba a ocurrir en cuanto al destino trágico de la mujer, y quien dejaría de ser después la madre del niño.
Otra interpretación, esta dedicado a un niño no deseado por su madre, ya que es utilizado como un instrumento para quedarse con alguien que no siente nada.
Otra es que La Luna, es representada como una persona de clase social muy importante y los gitanos a los pobres, aunque a pesar de tener todo lo que una persona millonaria pueda aspirar, como ser lujos materiales pero no está satisfecha, ya que desea es tener un hijo o descendencia propia.
También se dice que la canción refleja el racismo patente de la actualidad, poniendo como ejemplo la contrariedad de las uniones entre dos grupos sub-étnicos como los gitanos y los payos, ya que está canción trata de superar estas barreras sociales, que estaría dada por la diferencia del color de piel, entre una mujer gitana de piel morena oscura oriunda de Oriente y un gitano de color de piel blanca clara, oriundo de Europa u Occidente, en esta región conocidos como Calé o Caló, según por el color de piel que tiene el niño y este quien cree que es su propio hijo.
En la parte del estribillo de la canción que dice: "Luna, quieres ser madre, y no encuentras querer que te haga mujer. Dime Luna de plata, ¿qué pretendes hacer con un niño de piel?". Al parecer éstas palabras convertidas en poesías, es el Sol preocupado quien se lo dice cuando se trata de buscar la felicidad de algo deseado. En las ultimas líneas dice: "Y en las noches que haya Luna Llena, será porque el niño esté de buenas; y si el niño llora, menguará la Luna para hacerle una cuna", pues en esta parte es la victoria de la Luna quien al final logra su deseo de ser madre, todo esto está basado en mitos y leyendas gitanas sobre creencias y supersticiones.
HERE WITH ME (AQUI CONMIGO)
No te escuche partir
Me pregunto cómo es que continuo aquí
No quiero mover nada
Podría cambiar mi memoria
Oh, yo soy lo que soy
haré lo que quiera
Pero no me puedo esconder
No me iré
No dormiré
No puedo respirar
Hasta que descanses
aquí conmigo
No me iré
No me puedo esconder
No puedo estar
Hasta que descanses
aquí conmigo
No quiero llamar a mis amigos
Ellos podrían despertarme
de este sueño
Y no puedo dejar esta cama
Me arriesgo de olvidar todo lo que ha sido
Oh, yo soy lo que soy
haré lo que quiera
Pero no me puedo esconder
Que canción tan llena de sentimientos, quien no se puede identificar con este tema?
Esta canción es compuesta y cantada por Dido, que tiene una voz única y bella como Sarah.
Esta canción en el álbum de La Luna tuvo muchas críticas, a los críticos mucho no les gusto, y es entendible puesto que está muy relacionada con Dido y resulta poco atractivo cuando otro artista canta el mismo tema.
Personalmente creo que Sarah no pone la pasión propia del tema tal vez porque no quería realizar una copia exacta, para mi opinion, Sarah hizo un tema con sentimiento de melancolía con un toque de angustia, sobre todo al final con esos gritos hermosos, que muy bien va con la temática del CD.
La canción es en si misma muy impactante porque la soledad nos atormenta y no nos deja respirar, es decir, no podemos vivir hasta que esa persona este con nosotros, creo que esta canción no solo abarca al amor de pareja, sino también a la persona que ya no esta y que significo mucho, por lo tanto para mi es una canción preciosísima y conmovedora y tiene el plus de la voz de nuestro Angel.
LA CALIFFA
Tú no les creas porque
la crueldad de los amos
Han visto en mi
simplemente un perro que
se ata a si mismo a tu cadena
Cuando cruzo la ciudad
Esta hipócrita, tu ciudad
Mi cuerpo
Que pasa entre ustedes
Es un insulto a la cobardía
Tú te reencontrarás conmigo
La posesión más esplendida
Un momento de sol sobre nosotros
En la búsqueda de ti
La Califfa es una hermosa pieza en italiano, escrito por Ennio Morricone. Es hipnotizante, inquietante y muy conmovedor.
Es igualmente o mas hermoso que Nella Fantasia y del mismo modo llena el corazón de paz.
Es de increíble sensibilidad, como un canto de liberación, no obstante se trata de una oración de sufrimiento, decepción y pena, además la voz de Sarah trasmite una gran la ternura con lo que el tema conmueve mas.
La Califfa de Alberto Bevilacqua
Es una famosa novela italiana que trata la historia de una mujer cuyo marido ha sido asesinado durante una huelga, y que tiene un idilio con el dueño de la fábrica donde trabajaba su esposo. Ella, una mujer apasionada, odia a Doberdò, el empresario, pero se siente atraída hacia él y acaba siendo su amante. La fábrica sirve de telón de fondo para esta historia de amor. Sin embargo, al final Doberdò será asesinado por unos sicarios, en una lucha entre industriales. La Califfa es la novela más importante de Alberto Bevilacqua, quien la adaptó y dirigió la versión cinematográfica, con Romy Schneider y Ugo Tognazzi y una impresionante banda sonora de Ennio Morricone. La película fue candidata a la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 1971.
THIS LOVE (Este Amor)
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Esta canción es tranquila, hipnotizadora, encantadora, requiere
agilidad vocal y mucho sentimiento. Sarah cuenta que fue uno de los temas mas
difíciles de interpretar ya que la canción requiere mucha entrega.
Sin duda es una
preciosa canción, que describe perfectamente lo extraño que es el amor
¿Cómo es el amor?
A veces de días nublados y grises, de nostalgia, alma y piel desnuda, de sentir
sin límites que nada trunca.
No suele ser
paciente, arde y quema, todo lo devora. No vive de la apariencia, ni del
interés. Tampoco es ostentoso frente a los demás, sólo es de dos. No sabe de
límites y jamás será indiferente; nos hace feliz y también sufrir, este amor ….
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Este amor
Este amor
Este amor es un
amor extraño
Un tipo de amor
como los que ya no hay
Este amor
Este amor
Creo que caeré
otra vez
Y aun cuando tomaste
mi mano
Esto no significo
nada
Este amor
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Este amor
No debe decir que
es amor
No sabes que esto
es amor
Este amor
Este amor
No debe decir que
es amor
No necesita ser
amor
No significa nada
Este amor.
Este amor
Este amor extraño
(extraño amor)
Este amor
Gloomy Sunday (Domingo sombrío o triste)
La voz de Sarah hace que esta pieza sea verdaderamente relajante.
"Gloomy Sunday", es una cancion controversial, ha sido un tema restringido en varios países como Hungría después de varios suicidios generados por la canción (incluyendo su autor).
Gloomy Sunday (titulada originariamente como "Szomorú Vasárnap") está escrita por el pianista y compositor húngaro Rezső Seress en 1933 y ha sido versionada por numerosos cantantes aunque fue Billie Holiday quien la popularizó en 1941. Según una leyenda urbana, ésta canción ha inspirado centenares de suicidios. Fue conocida como "Hungarian suicide song" ("la canción húngara del suicidio") en Estados Unidos. Es cierto que su autor, Seress, se suicidó en 1968 pero la mayoría de los rumores acerca de la canción son infundados.
DOMINGO TRISTE
El domingo es sombrío
Mis horas son de insomnio
amando las sombras
con las que vivo que son infinitas.
Pequeñas flores blancas
que nunca te despertarán
allá donde el coche fúnebre
de la tristeza te ha llevado
Los ángeles no tienen pensado
en traerte de vuelta
¿se enfadarían si pienso reunirme de nuevo contigo?
Domingo triste
Triste es el domingo
entre las sombras lo paso entero
Mi corazón y yo
hemos decidido acabar con todo
Pronto habrá velas
y oraciones tristes, lo se
déjalos, que no haya lagrimas
déjalos que sepan que estoy contenta de ir
La muerte no es un sueño
Porque en la muerte te acaricio
Con el último aliento de mi alma
te bendeciré
Domingo triste
Soñando, sólo estaba soñando
Despierto y te encuentro dormido
En lo profundo de mi corazón,
Cariño espero
que mi sueño nunca te atormente
Mi corazón te está diciendo
Cuánto te quería
Domingo triste
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Debo admitir que es una canción que esta creciendo mucho en mi. Me gusta mucho ese toque melancólico.
Las palabras son inquietantes, profundas y ricas en sentimiento.
A diferencia de otros interpretes, Sarah no le da un toque de muerte y desesperación, mas bien ella cuenta que fue una pesadilla y finalmente se despierta y ve que solo era eso, una pesadilla, “sueño, solo estaba soñando” me gusta mucho el cambio de ritmo que ella le da cuando se da cuanta de que fue una pesadilla… no podemos decir que Sarah no le dejo su toque personal, y que me dicen de el violín que acompaña a este tema? Es un verdadero deleite, solo hay que escuchar con atención, lo recomiendo!
LA LUNA
La Luna, es absolutamente increíble. Sarah construye el suspenso en cada aliento de este tema. Su voz se eleva progresivamente alternando entre su voz operística y su voz pop hasta que la canción llega a su clímax, sorprendiendo cada vez mas. A mi entender, la orquesta ahoga a Sarah al final.
Cae la noche, tranquila
La oscuridad respira tranquilamente
Sólo la luna velara
Con su plateada luz nos cubrirá
En el cielo infinito brillara
Sólo la luna velara
La luna de la noche
dulcemente nos protegerá.
La luna de la noche
dulcemente nos protegerá.
Cae la noche, y ahí está
Ella reina en todo el cielo
Con bondad nos cuidara
Iluminando la noche
Nos mirará con bondad
Iluminado la noche.
La luna de la noche
dulcemente nos protegerá.
La luna de la noche
dulcemente nos protegerá.
La luna hoy no velará
se fugará
La luna desaparecerá
Esta canción fue adaptada desde un aria de la opera
"rusalka" de dvorak.
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En la mitología eslava rusalka es una ninfa acuatica, pero en la opera rusalka es una ninfa que
se enamora perdidamente de un principe y acude a una bruja del lago para que la
convierta en humana y todo termina tragicamente.
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La cancion de la
luna (o himno de la luna) es un aria del primer acto de la opera. En donde
rusalka le habla a la luna de su amor por el principe y le pregunta si el le
corresponde.
A continuación les
transcribo la letra original del aria, una poesía bellisima.
Luna, desde las profundidades del cielo
tu luz ilumina todo,
tu vagas por la superficie de la tierra,
bañas con tu mirada el hogar de los hombres,
tu vagas por la superficie de la tierra,
bañas con tu mirada el hogar de los hombres,
¡Luna, párate un momento,
dime dónde se encuentra mi amor!
tu vagas por la superficie de la tierra,
bañas con tu mirada el hogar de los hombres,
y dile, luna plateada,
que es mi brazo quien lo estrecha,
para que al menos un instante
piense en mí en sus sueños.
Para que al menos un instante
piense en mí en sus sueños.
¡Ilumina su lejano camino,
muéstrale quién lo espera aquí!
¡Ilumina su lejano camino,
muéstrale quién lo espera aquí!
Y si soy yo con quien ese alma humana sueña
entonces, que este pensamiento lo despierte;
luna, no te vayas, no te vayas.
En el Acto I refleja el amor naciente entre Rusalka y el príncipe. Pueden así identificarse 4 acordes, que se asocian a las palabras amado, amor y muerte (acordes mayores) y pecado (acorde menor). En el Acto II, los acordes mayores son destruidos por un conjunto de acordes menores, signo de las complicaciones trágicas que se aproximan.
Acto 1
En un prado al borde de un lago
Tres ninfas acuáticas bailan felices hasta la llegada de su padre, un espíritu de las aguas que se pone a jugar con ellas. En ese momento, Rusalka, la cuarta hermana, se despierta y le confía a su padre que se ha enamorado de un joven que suele ir al lago a bañarse.
Rusalka explica que quiere tener un alma y así ser humana para poder estar con el hombre al que ama. El padre, tras advertirle que si hace eso perderá la inmortalidad y viendo que está decidida, le dice que vaya a hablar con la bruja Jezibaba quien le ayudará pero con condiciones. Si quiere ser humana, será a cambio de su voz. Otra condición que le pone es que si su amado la rechaza, no será ninfa ni humana y tendrá que vagar por el lago en soledad. Rusalka, que sólo piensa en el amor, acepta y Jezibaba le da un bebedizo. Llega el hombre, que resulta ser un príncipe y le pregunta si es ninfa o humana. Rusalka lo abraza y se la lleva al palacio.
Acto 2
En el jardín en el palacio del príncipe
Los preparativos para la boda entre Rusalka y el príncipe se llevan a cabo. Dos sirvientes comentan preocupados que la prometida de su amo es extraña y muda. Mientras tanto, el príncipe parece decidido a llevar adelante el matrimonio, aunque se muestra contrariado por Rusalka y su frialdad. Algo inquieto, le insta a amarlo apasionadamente y entra en escena una princesa extranjera. El príncpe se enamora de la princesa, porque tiene voz, y enseguida pierde el interés por Rusalka.
Sigue un ballet, tras el cual el padre de Rusalka entra en escena. Encuentra a su hija desesperada y le pregunta si es esa la felicidad que buscaba entre los humanos. Rusalka, que sí puede hablar con su padre, le pide ayuda. Para concluir el acto, el príncipe y la princesa extranjera entran de nuevo en escena. El príncipe le declara su amor a la princesa, ésta le dice al príncipe que ya no lo quiere y que siga a Rusalka al infierno.
Acto 3
En un prado al borde de un lago
Rusalka está desesperada, puesto que no es ninfa ni humana, su única tarea será conducir a los hombres a la muerte. Pide a la bruja Jezibaba que la ayude y ésta sugiere que mate al hombre que la llevó a la perdición, pero Rusalka se niega.
Los criados del príncipe bajan al fondo del lago para pedir a la bruja que los ayude, puesto que el príncipe está desolado desde que Rusalka lo abandonó.
El espíritu del agua aparece en escena y los criados huyen aterrorizados y culpa al príncipe de la traición sufrida por su hija Rusalka. El príncipe sigue enamorado de Rusalka y la busca sin descanso. Al encontrarse ella le reprocha que la abandonara. El príncipe le pide perdón y ruega que lo bese, Rusalka le advierte que si lo hace, él morirá, pero no le importa. Se besan y el príncipe muere dichoso. El espíritu del agua comenta que "Todos los sacrificios son en vano". Rusalka agradece al príncipe que le permitiera experimentar el amor humano, encomienda su alma a Dios y regresa a su lugar en las profundidades del lago como un demonio de la muerte.
Al final de la pista La Luna (después de un descanso de 20 segundo), comienza una hermosa versión de "Moon River" de Sinatra. Absolutamente hermoso.
MOON RIVER (RIO DE LA LUNA)
Río de luna, más de una milla de ancho
Te voy a cruzar algún día,
Viejo creador de sueños, Tú, destrozador de corazones ...
Dondequiera que vayas,
Yo segiré tu camino.
Dos vagabundos, para ver el mundo
Hay tanto mundo para ver
Los dos buscamos el mismo arco iris
Que nos aguarda al final de la curva ...
Mi fiel amigo,
El río de luna y yo
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"Moon River" es una canción compuesta por Johnny Mercer (letra) y Henry Mancini (música) en 1961, para quien ganó ese año el Premio de la Academia a la Mejor Canción Original . Fue cantada originalmente en la película Desayuno con diamantes por Audrey Hepburn. Ha sido objeto de muchas versiones e interpretaciones por otros artistas. La canción también ganó en 1962 el Premio Grammy por Grabación del Año .
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EXEL
exel_777@hotmail.com
Nada es tan evocadora de romance
y de la alienación como La Luna.
Nada es tan estéril, sin embargo, a la vez, tan vivo.
La Luna se las arregla para capturar, no sólo el enigma y la belleza que es la luna.
Agradezco en nombre de todos los fans de Sarah y lectores del blog, a Exel por el esfuerzo y el tiempo que le llevo este análisis y esperamos pronto otro informe de otro trabajo discográfico de Sarah. Gracias Querido Amigo!!!
Recordemos que Ana Magiar es una Soprano Lírico ligera de nacionalidad Argentina.
Comenzó a cantar en coros y luego como voz líder en numerosas bandas de trayectoria en la ciudad de Mar del Plata del estilo Heavy clásico y Doom Progresivo.
Ingresó al Coro Lírico Opera Prima en la cuerda de Soprano Primera alternando como solista en Arias y Dúos de reconocidas operas como La Traviatta, Don Giovanni, Orfeo e Euridice, Las Bodas de Fígaro entre otras, con numerosas presentaciones montadas con detalles de escenografía en el Teatro Colon de Mar del Plata.
En el año 2003 se muda a la ciudad de Bs As. y comienza a estudiar técnica vocal y repertorio con el reconocido Barítono Argentino Omar Carrión y continua con la Soprano Carmen Nieddu.
Desde el año 2004 toma clases personalizadas de técnica y repertorio con la Soprano Finesa Tarja Turunen, exvocalista de Nightwish.
Durante todo el 2006 participó de el Master Class de repertorio Verdiano dirigido por el Maestro y Director Salvatore Caputo dictadas en el Teatro Colón de Bs As. Así también tomo numerosos cursos anuales dictados por docentes del Instituto de Arte Superior de dicho Teatro.
En el año 2007 retorna a su ciudad natal y continua alternando sus estudios particulares con el Maestro Leopoldo Gaillour.
Graciela Murano, es una gran artista que nació en Argentina, realiza sus estudios pianísticos con los maestros Antonio De Raco, Aldo Antognazzi y Edith Murano..jpg)
Estas obras musicales cuentan con el auspicio Institucional de la "Dirección General de Asuntos Culturales de la Cancillería Argentina", de los "Ministerios de Educacion" del gobierno de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires y de la Nación Argentina, y del " Ministerio de Educacion y Cultura de la Rep. Oriental del Uruguay.
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